Je vous rappelle le principe du jeu !

Tous les samedi, en cadeau pour le week-end, je posterai l'extrait délirant d'un film!

A vous de voter pour le meilleur extrait.

Le nombre de commentaires postés dans le week-end permettra d'élire chaque mois le meilleur Délire du Samedi !

Cette semaine, un extrait musical... A vous de deviner de quel film des Max Brothers il est extrait !

En 1990, Tom Stoppard (dramaturge britannique, auteur de nombreux scénarios dont le brillantissime Shakespeare in Love)  a adapté au cinéma sa pièce de 1966, Rosencrantz and Guildenstern sont morts, avec Tim Roth et Gary Oldman dans les deux rôles-titres.

Il s'agit d'une adaptation d'Hamlet de Shakespeare, mais vu du point de vue des deux compagnons d'université d'Hamlet, Prince du Dannemark, que le roi charge de sonder la folie de leur camarade, et qui finiront exécutés à sa place, en Angleterre.

Si la pièce de Shakespeare s'achève en bain de sang, la plupart des morts sont expliquées, et peuvent satisfaire à une volonté moralisatrice. Pour autant, celle de Rosencrantz et Guildenstern est totalement absurde, péremptoire. Rosencrantz et Guildenstern, ou Guildenstern et Rosencrantz n'ont aucune personnalité, aucun relief, aucun passé, aucun avenir. Tout ce qu'on sait d'eux, c'est qu'ils sont morts.

Tom Stoppard s'empare de cette difformité de la pièce de Shakespeare pour réaliser son chef-d'oeuvre. Ces deux pauvres diables qui arrivent sur scène sans savoir comment et n'en ressortiront, quoi qu'ils fassent, que morts, sans qu'ils puissent se défendre (et sans autre forme de procès, dirait Kafka), c'est nous. C'est l'humanité. Nous tentons d'agir, de comprendre ce qui nous entoure, d'aimer, d'observer, mais finalement la seule certitude qui soit, c'est que nous sommes en vie, dans un univers que nous sommes impuissants à apréhender, et que nous allons mourir.

Ainsi Rosencrantz et Guildenstern herrent dans le palais d'Hamlet, où l'on voit successivement toute l'action se dérouler, par bribes, au gré des passages de la Cour et des Princes dans les différentes salles. De l'action, ils ne comprennent rien. Hamlet, quant à lui, s'agite de manière totalement accessoire. C'est un personnage secondaire de l'intrigue. Au même titre que Polonius, le roi, la reine, Laërte ou Ophélie.

Rosencrantz et Guildenstern, se sont aussi des spectateurs qui ne comprennent rien à la pièce qu'ils vont voir, et ne comprennent pas que le théâtre, s'il présente des personnages contingents, s'adresse à chacun. Une mort de théâtre, c'est la mort de chaque homme, c'est la nôtre.

De fait, la pièce joue de mises en abîmes où les personnages voient des pièces où l'on joue leur propre vie, et ne s'en rendent pas même compte.

HIlarant et désespéré, le destin de Rosencrantz et Guildenstern, contrairement à leur ébauche shakespearienne, ne peut pas laisser indifférent. A l'image de cette scène d'ouverture où après des centaines d'essais à jouer à pile ou face, la pièce tombe toujours du même côté, après des centaines de représentations, leur destin sera, à chaque fois, le même, et ils le vivront, à chaque fois, avec le même étonnement. Comme l'humanité.

Tel ce roi mourant de Ionesco, à qui, soir après soir, on dit : "Tu vas mourir à la fin du spectacle".

Juliette Binoche vient de recevoir le Prix d'interprétation à Cannes pour Copie Conforme d'Abbas Kiarostami. Elle donnait aussi toute sa sensibilité dans Le Voyage du Ballon Rouge, de Hou Hsiao Hsien, sorti en 2008.

Hommage au Ballon rouge d'Albert LAMORISSE, Le Voyage du ballon rouge est un film aérien et lumineux. Hou Hsiao Hsien ne filme pas les choses, il filme l'air, les regards, la lumière, les liens, les reflets. Un enfant regarde un ballon, le ballon reflète le ciel, une baby-sitter chinoise les filme, la mère de l'enfant visionne l'enregistrement, tout est jeu d'image et de composition. 

ci-dessus : le film de Lamorisse, ci-dessous, celui de Hou-Hsiao-Hsien

Les personnages sont filmés commes les marionnettes traditionnelles, avec la même vérité, la même justesse, la même émotion et la même fragilité. Les comédiens, professionnels ou non, Juliette Binoche en tête, sont époustouflants de générosité. Chaque plan est presque une image abstraite à la délicatesse extrême, tellement lumineuse qu'elle en deivent translucide. Le film se crée au fur et à mesure qu'on le regarde, comme si la vie elle-même était une oeuvre d'art.

L'important n'est pas ce qui saute aux yeux. Une photo, un article posé sur une table, un détail. "L'essentiel est invisible pour les yeux", dit SAINT-EXUPERY, mais pas pour Hou Hsia Hsien.

(le ballon, de Félix Valotton, musée d'Orsay, dont s'inspirent les deux films)

Copie conforme, c'est comme Voyage à deux de Stanley Donen ou les films de Rosselini avec Ingrid Bergman, un film sur l'étiolement du couple. Comme dans la vie, on marche, on  prend la voiture, on parle de tout et de rien, on téléphone, ça ne capte pas, on se déplace, on part manger. C'est très sobre. Le tout bercé par le son des pas, les bruits de la rue, les cris des hirondelles, le battement des cloches, dans une tendresse et une nostalgie indescriptible.

Le discours sur l'esthétisme, l'original, le regard sur l'oeuvre d'art n'est pas sans rappeler l'étrange Vérité et Mensonges d'Orson Welles.

Kusturica soutient que les chants des oiseaux ne sont pas des mélodies mignonnes, mais des cris d'effroi face à l'horreur du monde. Epouvante des hirondelles, louange des cloches, on ne sait pas trop. Quand ils vont au restaurant, l'homme et la femme partagent du vin, mais il est bouché. Ils emportent du pain mais ne le mangeront pas. Quand elle va à l'église, c'est pour enlever son soutien-gorge parce qu'elle a trop chaud. L'homme restera sur le seuil. C'est une communion ratée.

L'interprétation de Juliette Binoche est , comme d'habitude, incroyable de justesse et de virtuosité. Son prix d'interprétation à Cannes n'est pas volé. Le bariton anglais William Schimell, qui joue à ses côtés, est également parfait. A signaler le couple de la place, interprété par Jean-Claude Carrière et Agathe Natanson (la Colette d'Oscar avec De Funès), qui réussissent, tant ils sont justes, à voler la vedette au couple principal, dans une scène incroyable où l'on voit le scénariste de Bunuel conseiller le personnage principal pour reconquérir sa femme.

On tente de parler mais dans le fond on veut surtout avoir raison. "Non, c'est quelque chose que nous devons décider ensemble", dit Jean-Claude Carrière à son enfant, par téléphone. "Et quand nous en aurons parlé ensemble, tu t'apercevras que tu avais tort". Tout est dit.

C'est à Juliette Binoche que revient de dire (sans pathos), la morale du film : "Si chacun avait plus d'indulgence pour les faiblesses de l'autre, on vivrait moins seuls. On peut vivre seuls, mais bon..." Seulement voilà. Est-ce possible ?

Quatrième film réalisé par Sean PENN, Into the wild est l'histoire vraie d'un étudiant de 23 ans qui, fuyant une société inhumaine, son éducation et sa famille, brûle son argent, abandonne sa voiture, et part à pied à travers l'Amérique, jusqu'en Alaska.  

Ces deux années d'errance d'Alexander "Supertramp" ne constituent pas seulement un road-movie de plus; si le ton est d'abord léger, il s'obscurcit insensiblement, et la joyeuse escapade devient le signe d'une révolte contre l'absurdité du monde, une lutte pour la vie, dans un univers où tout cherche à l'étouffer. 

Le film est adapté du journal tenu par Christopher Mac Candless et relate son absurde et grandiose épopée.

C'est une quête du bonheur et de la vérité, de la naissance à la mort, de la fraîcheur inconsciente du globe-trotter à la sagesse de celui qui a appris à "donner aux choses leur vrai nom".

 Quand par exemple, l'Île de Pavel Lounguine est le récit imaginaire, grandiloquent, appuyé et matérialiste d'un moine qui se substitue à la conscience d'autrui pour mieux faire taire la sienne, Into the wild est la vie d'un jeune homme qui, révolté par la société, ne la combat pas mais la fuit, et part chercher le bonheur dans la solitude. Le vrai voyage que le film nous offre, c'est le nôtre, intérieur.